La historia de la Banda El Recodo se inicia con la inquietud de un músico excepcional, Don Cruz Lizárraga, quien, además de fundarla, le dió su actual fisonomía estableciendo el estilo, la forma y el número de sus integrantes actuales y asociándola de manera indeleble con el lugar de su origen.
El Recodo, en efecto, es el nombre del pueblo donde nació esta banda de instrumentos de viento en el estado de Sinaloa, sobre el Pacífico Mexicano.
Tal como sucedía en diversos países de América Latina, la banda era una formación semi clásica de músicos, generalmente voluntarios, que tocaban piezas sinfónicas, marciales y populares para divertir e instruir a la población local en las plazas de cada pueblo.
En ese formato inicial fue parte de la herencia cultural que dejaron en México los marineros europeos cuyas naves anclaron en el litoral oeste del país, especialmente en Mazatlán, el puerto más próximo a El Recodo, el lugar donde nació y se crió Don Cruz Lizárraga.
Éste observó que las bandas municipales, que tenían hasta cincuenta integrantes, sonaban demasiado solemnes en el momento de tener que amenizar una retreta, una verbena, o un baile.
Por eso comenzó a experimentar con la que pudiera ser una formación mucho más simple y accesible para el pueblo en sus celebraciones y mucho más abierta en su propuesta, una banda que interpretara los ritmos favoritos del ciudadano común y corriente, desde el vals y la ranchera hasta el bolero y la cumbia.
Con este principio asumió el reto de establecer su propia banda, la banda representativa de El Recodo; y, rompiendo los viejos esquemas, del concepto pasó a la acción.Fue un feliz hallazgo.
Una explosión de alegría que remeció el carácter festivo del habitante del noroeste mexicano. La base de lo que hoy se conoce como la música de banda, un género musical perfectamente clasificado a través de varias generaciones que tienen en El Recodo su mejor expresión. Del sonido poderoso pero apegado a una firme base melódica, la Banda El Recodo también experimentó con la incorporación de uno o más cantantes.
A partir de ese momento la propuesta quedó definitivamente lanzada y el pueblo la hizo suya, no sólo en Sinaloa, sino en varios estados del Pacífico, llegando hasta Estados Unidos, con frecuentes giras de presentaciones en California, Arizona, Nevada, Oregon y Washington, desde la frontera con México hasta la frontera con el Canadá.
En base a la audacia de sus arreglos y a su fidelidad con la tradición, comenzó a forjarse la leyenda viviente que es en la actualidad. Don Cruz ya no está al frente de su formación. La dirige desde el más allá. Pero, gracias al impulso de sus hijos, legítimos herederos de su carácter vanguardista, El Recodo sigue mostrándole el camino a todas las agrupaciones similares y con razón su apodo es el de 'Madre de Todas las Bandas'.
Por eso ejerce tanta influencia. Por eso ahora también la llaman para que actúe y participe en grandes eventos en Florida y en Georgia, en las Carolinas y en Nueva York, desplazándose de costa a costa en Estados Unidos, en México y hasta en Europa. A partir de ese momento la propuesta quedó definitivamente lanzada y el pueblo la hizo suya, no sólo en Sinaloa, sino en varios estados del Pacífico, llegando hasta Estados Unidos, con frecuentes giras de presentaciones en California, Arizona, Nevada, Oregon y Washington, desde la frontera con México hasta la frontera con el Canadá.
Fruto de su trabajo creativo, Univision Music (UM), ahora está presentando el compilado más completo de sus grandes éxitos, trazando así la apasionante trayectoria de una banda que ya no pertenece al pueblo de El Recodo sino al mundo.
miércoles, 18 de mayo de 2011
martes, 17 de mayo de 2011
star wars
Star Wars, también conocida en español como La guerra de las galaxias, aunque literalmente significa «Guerras estelares», es una franquicia de medios estadounidense que pertenece al género de la opereta espacial épica[Nota 1] y que ha sido concebida por el guionista, director y productor de cine George Lucas.
La primera película de la franquicia, Star Wars: Episode IV - A New Hope, contó con actores como Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Alec Guinness, Anthony Daniels, Kenny Baker, Peter Mayhew, Peter Cushing y David Prowse, y aunque tuvo numerosas dificultades durante la producción, finalmente fue distribuida por 20th Century Fox y estrenada el 25 de mayo de 1977. Se convirtió en un fenómeno de la cultura popular a nivel mundial y su influencia ha sido reconocida por numerosos cineastas.[1] [2] El éxito de la película dio alas a Lucas para financiar personalmente las dos secuelas que completaron la llamada «trilogía original», Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back y Star Wars: Episode VI - Return of the Jedi, a las que se incorporaron nuevos actores como Billy Dee Williams, Frank Oz e Ian McDiarmid, y que fueron estrenadas en intervalos de tres años.[1]
Dieciséis años después llegó a los cines Star Wars: Episode I - The Phantom Menace, la primera cinta de una nueva trilogía centrada en los años previos a la anterior. Liam Neeson, Ewan McGregor, Natalie Portman, Jake Lloyd, Hayden Christensen, Samuel L. Jackson y Christopher Lee fueron algunos de los principales miembros del reparto, que también contó con la presencia de algunos actores de la trilogía original. Star Wars: Episode II - Attack of the Clones y Star Wars: Episode III - Revenge of the Sith, estrenadas nuevamente en intervalos de tres años, completaron una saga que recaudó aproximadamente 5510 millones de dólares estadounidenses entre las seis películas,[3] convirtiéndola en la tercera más exitosa de todos los tiempos[4] por detrás de las franquicias de James Bond y Harry Potter, sin considerar la inflación.[5]
La saga cinematográfica de Star Wars ha derivado en otros medios, tales como libros, series de televisión, videojuegos, historietas o juegos de rol. Dichos suplementos conforman el denominado «Universo expandido», a partir del cual se ha desarrollado de forma significativa el material ficticio de la saga. Además, esta colección de medios ha profundizado en cuestiones apenas incorporadas en las películas originales, extendiendo por otra parte las tramas presentadas en cada trilogía. En 2008 se estrenó Star Wars: The Clone Wars, convirtiéndose en la primera cinta de la franquicia en lanzarse a nivel mundial y que no forma parte de las trilogías originales. Asimismo cabe señalar que esta fue la primera película animada de Star Wars, destinada a servir de introducción de la serie televisiva homónima y que se basa en la serie previa también del mismo nombre.
La primera película de la franquicia, Star Wars: Episode IV - A New Hope, contó con actores como Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Alec Guinness, Anthony Daniels, Kenny Baker, Peter Mayhew, Peter Cushing y David Prowse, y aunque tuvo numerosas dificultades durante la producción, finalmente fue distribuida por 20th Century Fox y estrenada el 25 de mayo de 1977. Se convirtió en un fenómeno de la cultura popular a nivel mundial y su influencia ha sido reconocida por numerosos cineastas.[1] [2] El éxito de la película dio alas a Lucas para financiar personalmente las dos secuelas que completaron la llamada «trilogía original», Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back y Star Wars: Episode VI - Return of the Jedi, a las que se incorporaron nuevos actores como Billy Dee Williams, Frank Oz e Ian McDiarmid, y que fueron estrenadas en intervalos de tres años.[1]
Dieciséis años después llegó a los cines Star Wars: Episode I - The Phantom Menace, la primera cinta de una nueva trilogía centrada en los años previos a la anterior. Liam Neeson, Ewan McGregor, Natalie Portman, Jake Lloyd, Hayden Christensen, Samuel L. Jackson y Christopher Lee fueron algunos de los principales miembros del reparto, que también contó con la presencia de algunos actores de la trilogía original. Star Wars: Episode II - Attack of the Clones y Star Wars: Episode III - Revenge of the Sith, estrenadas nuevamente en intervalos de tres años, completaron una saga que recaudó aproximadamente 5510 millones de dólares estadounidenses entre las seis películas,[3] convirtiéndola en la tercera más exitosa de todos los tiempos[4] por detrás de las franquicias de James Bond y Harry Potter, sin considerar la inflación.[5]
La saga cinematográfica de Star Wars ha derivado en otros medios, tales como libros, series de televisión, videojuegos, historietas o juegos de rol. Dichos suplementos conforman el denominado «Universo expandido», a partir del cual se ha desarrollado de forma significativa el material ficticio de la saga. Además, esta colección de medios ha profundizado en cuestiones apenas incorporadas en las películas originales, extendiendo por otra parte las tramas presentadas en cada trilogía. En 2008 se estrenó Star Wars: The Clone Wars, convirtiéndose en la primera cinta de la franquicia en lanzarse a nivel mundial y que no forma parte de las trilogías originales. Asimismo cabe señalar que esta fue la primera película animada de Star Wars, destinada a servir de introducción de la serie televisiva homónima y que se basa en la serie previa también del mismo nombre.
sábado, 14 de mayo de 2011
el arte de la cienematografia
El cine (abreviatura de cinematógrafo o cinematografía), es la técnica de proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento, mostrando algún vídeo (o película, o film, o filme). La palabra cine designa también las salas o teatros en los cuales se proyectan las películas.Etimológicamente, la palabra cinematografía fue un neologismo creado a finales del siglo XIX compuesto a partir de dos palabras griegas. Por un lado κινή (kiné), que significa "movimiento" (ver, entre otras, "cinético", "cinética", "kinesis", "cineteca"); y por otro de γραφóς (grafós). Con ello se intentaba definir el concepto de "imagen en movimiento".
Como forma de narrar historias o acontecimientos, el cine es un arte, y comúnmente, considerando las seis artes del mundo clásico, se lo denomina séptimo arte. No obstante, debido a la diversidad de películas y a la libertad de creación, es difícil definir lo que es el cine hoy. Sin embargo, las creaciones cinematográficas que se ocupan de la narrativa, montaje, guionismo, y que en la mayoría de los casos consideran al director como el verdadero autor, son consideradas manifestaciones artísticas, o cine arte (cine de arte). Por otra parte, a la creación documental o periodística se la clasifica según su género. A pesar de esto, y por la participación en documentales y filmes periodísticos de personal con visión propia, única y posiblemente artística (directores, fotógrafos y camarógrafos, entre otros), es muy difícil delimitar la calidad artística de una producción cinematográfica. La industria cinematográfica se ha convertido en un negocio importante en lugares como Hollywood y Bombay (conocido como "Bollywood"; un vocabulario básico de términos relacionados con el cine asiático).
GRUPO ´¨¨::: el duelo:::´¨´´´
Duelo es un grupo de música mexicana (grupera) fundado en marzo de 1996. Con sus canciones, discos y un estilo sumamente original se han colocado en el gusto de los jóvenes y con esto han tenido una fuerte aceptación
Exitoso grupo de música mexicana fundado por el cantante, compositor, bajista, productor y arreglista Oscar Iván Treviño y el acordeonista Dimas López. Ambos músicos comenzaron como un dueto tocando en el restaurante de los padres de López, ubicado en Roma, dentro del área de Tamaulipas y Texas, sobre la frontera de México con Estados Unidos y algunas de las mas importantes regiones, la cancion que saco a el cantante a relucir fue "Ayer la vi por la calle".
En el mes de marzo de 1996, con la incorporación de otros tres integrantes, Duelo, nació oficialmente. Durante los siguientes cinco años, el grupo desarrolló una importante carrera que le permitió grabar su álbum debut, "El Amor No Acaba", editado en 2002. Posicionados en el género regional mexicano y desarrollando un típico sonido “grupero norteño”, la banda se convirtió en un verdadero suceso.
integrantes:
Oscar Iván Treviño (Cantante, compositor, bajista, productor) Dimas López Jr. (Acordeón) Mauricio Cano (Percusiones) José Luis Ayala Jr. (Batería) Pedro FLores (Bajo Eléctrico y Segunda Voz) Mario Angel Peña (Animación) Pepe Walker (Colaborador)
el reggaeton
Orígenes (1970s)
Las raíces del reggaeton empezaron en Panamá en los años 1970 como Reggae en español, luego fue evolucionado y modernizado en Puerto Rico en los años 1990 donde recibió su nombre actual. El reggaetón empieza como una adaptación del reggae jamaiquino (y del posterior dancehall jamaiquino) a la cultura latina en Panamá.
Los orígenes del reggaetón empezaron con las primeras grabaciones de reggae latinoamericanas hechas en Panamá durante los años 70. La influencia del reggae jamaiquino en la música panameña ha sido muy fuerte desde principios del siglo XX, cuando importaron trabajadores de Jamaica para construir el Canal de Panamá[1] Artistas como El General, Chicho Man, Nando Boom, Renato y Apache Ness empezaron a cantar reggae en idioma español por primera vez. Era una práctica común traducir las letras del reggae de Jamaica al español y cantarlas en sus melodías originales, esta forma fue denominada reggae en español. Mientras tanto, durante la década del 80 el rapero de Puerto Rico, Vico C, lanzó discos de Hip Hop en español y reggae rap en su isla nativa. Su producción ayudó a extender el sonido del reggaetón, por lo cual se le da tanto crédito a este rapero. La extensión del movimiento del reggae en español en las comunidades latinoamericanas en los centros urbanos de Estados Unidos ayudó a incrementar su popularidad.
Los temas de las letras típicos suelen hablar de denuncia social, reflexión, historias de amor, breves anécdotas y los problemas de la vida. En algunos casos, estos temas iniciales fueron derivando en un tipo de letras festivas abundando sobre todo las que aluden al sexo, en ocasiones de forma discreta y en otras explícitamente. Esto provocó un fuerte rechazo en ciertos sectores de la sociedad.[6] Actualmente la mayoría de artistas están comprometidos en sus interpretaciones con un cambio social.
Las raíces del reggaeton empezaron en Panamá en los años 1970 como Reggae en español, luego fue evolucionado y modernizado en Puerto Rico en los años 1990 donde recibió su nombre actual. El reggaetón empieza como una adaptación del reggae jamaiquino (y del posterior dancehall jamaiquino) a la cultura latina en Panamá.
Los orígenes del reggaetón empezaron con las primeras grabaciones de reggae latinoamericanas hechas en Panamá durante los años 70. La influencia del reggae jamaiquino en la música panameña ha sido muy fuerte desde principios del siglo XX, cuando importaron trabajadores de Jamaica para construir el Canal de Panamá[1] Artistas como El General, Chicho Man, Nando Boom, Renato y Apache Ness empezaron a cantar reggae en idioma español por primera vez. Era una práctica común traducir las letras del reggae de Jamaica al español y cantarlas en sus melodías originales, esta forma fue denominada reggae en español. Mientras tanto, durante la década del 80 el rapero de Puerto Rico, Vico C, lanzó discos de Hip Hop en español y reggae rap en su isla nativa. Su producción ayudó a extender el sonido del reggaetón, por lo cual se le da tanto crédito a este rapero. La extensión del movimiento del reggae en español en las comunidades latinoamericanas en los centros urbanos de Estados Unidos ayudó a incrementar su popularidad.
Letras y temas
Las letras del reggaeton se caracterizan por apoyarse en la rima para lograr que la canción sea pegadiza y de fácil identificación para el público. Este estilo de rima está también inspirado en el raggamuffin y dancehall jamaiquino, aunque principalmente en el rap. Los temas de las letras desde un origen son de denuncia social. Las letras de las canciones se asemejan a las del hip hop. Al igual que el hip hop, la mayoría de cantantes de reggaeton recitan sus canciones con estilo de rap en lugar de cantarlas melódicamente, a diferencia de la música hip hop, un porcentaje significativo de los artistas de reggaeton también son cantantes que pueden mezclar el rap y el canto. El reggaeton comenzó como un género compuesto por artistas en su mayoría hombres, pero con el tiempo ha aumentado el número de artistas mujeres tales como: Ivy Queen, K-Narias, Mey Vidal, Nina Sky y Glory.Los temas de las letras típicos suelen hablar de denuncia social, reflexión, historias de amor, breves anécdotas y los problemas de la vida. En algunos casos, estos temas iniciales fueron derivando en un tipo de letras festivas abundando sobre todo las que aluden al sexo, en ocasiones de forma discreta y en otras explícitamente. Esto provocó un fuerte rechazo en ciertos sectores de la sociedad.[6] Actualmente la mayoría de artistas están comprometidos en sus interpretaciones con un cambio social.
arte bajo el agua
Como si de un mundo distópico se tratara, que nos hace recordar a aquella escena del filme Inteligencia Artificial, la exhibición de Underwater Sculptures de Jason de Caires Taylor es entre trágica y paradisíaca. Utilizando la mismísima naturaleza como aliada, resaltando el proceso ecológico natural, "Jason explora las relaciones intrínsecas que existen entre arte y medioambiente. Sus trabajos se convierten en arrecifes artificiales, atraen vida marina, a la vez que ofrece al visitante un encuentro temporal privilegiado, mientras la arena del fondo del océano y los trabajos cambian de un momento a otro."
El arte de Taylor no solo es bellísimo y asombroso por sí mismo, sino que integra mensajes políticos y ecológicos, sin que eso vaya en detrimento de la pureza de la puesta. A diferencia de muchos artistas modernos, y esto es lo que más nos ha asombrado, Jason ha logrado mantener "el mensaje" fuera de sus esculturas. Nos explicamos: el interés por la ecología que despiertan las obras no es mérito del autor per se. Lo "único" que ha hecho Taylor es dejar que la naturaleza se exprese, que sea una coautora. Las esculturas nos muestran la mano creadora de la Tierra y nos resulta imposible no verla como un ente participativo más, un "ser vivo" que merece tanto o más respeto que cualquiera de nosotros. El mensaje político... lo dejamos a interpretación del lector.
El arte de Taylor no solo es bellísimo y asombroso por sí mismo, sino que integra mensajes políticos y ecológicos, sin que eso vaya en detrimento de la pureza de la puesta. A diferencia de muchos artistas modernos, y esto es lo que más nos ha asombrado, Jason ha logrado mantener "el mensaje" fuera de sus esculturas. Nos explicamos: el interés por la ecología que despiertan las obras no es mérito del autor per se. Lo "único" que ha hecho Taylor es dejar que la naturaleza se exprese, que sea una coautora. Las esculturas nos muestran la mano creadora de la Tierra y nos resulta imposible no verla como un ente participativo más, un "ser vivo" que merece tanto o más respeto que cualquiera de nosotros. El mensaje político... lo dejamos a interpretación del lector.
el arte prehispanico
El arte pre hispánico, es el de los indígenas de América antes de que los españoles llegaran a conquistarlos.
Su arte era infantiloide por el tipo de dibujos que mas parecen de un niño que de adultos.
Si ellos esculpían la piedra era generalmente para hacer a sus dioses como ellos se los imaginaban.
También hacían lo que se conoce como Códices o sea sus "escritos" a los que llaman pictográficos porque no estaban hechos con letras sino con dibujos, y generalmente se hacían en hojas de corteza de árbol y otros materiales.
Hacían vasijas, estatuitas, pitaban sus casas y las pirámides con exóticas figuras aparte de las representaciones de sus dioses.
También elaboraban complejos y hermosos penachos y otras prendas con plumas de animales, conchas y oro.
La joyería también es otra muestra de su arte que se exhibe en los museos.
Casi todas las cosas prehispánicas que se encuentran en los museos son obras de arte, porque algunos sepulcros también los decorában de acuerdo a la importancia del personaje.
Su arte era infantiloide por el tipo de dibujos que mas parecen de un niño que de adultos.
Si ellos esculpían la piedra era generalmente para hacer a sus dioses como ellos se los imaginaban.
También hacían lo que se conoce como Códices o sea sus "escritos" a los que llaman pictográficos porque no estaban hechos con letras sino con dibujos, y generalmente se hacían en hojas de corteza de árbol y otros materiales.
Hacían vasijas, estatuitas, pitaban sus casas y las pirámides con exóticas figuras aparte de las representaciones de sus dioses.
También elaboraban complejos y hermosos penachos y otras prendas con plumas de animales, conchas y oro.
La joyería también es otra muestra de su arte que se exhibe en los museos.
Casi todas las cosas prehispánicas que se encuentran en los museos son obras de arte, porque algunos sepulcros también los decorában de acuerdo a la importancia del personaje.
musica norteña: los invasores de nuevo leon
En la ciudad de Monterrey, donde la música del acordeón es inseparable de la tradición, surgió en 1978 un grupo, que con su música buscaba la oportunidad de darse a conocer, fue así que pidieron la ayuda de una estación de radio, la XETKR, para que fuera el público quienes les pusiera el nombre, la promoción se lanzó... se buscaba nombre para un grupo “fantasma” y el ganador tendría una serenata de esa agrupación, así iniciaron LOS INVASORES DE NUEVO LEON.
Fue hasta 1980 que empezaron profesionalmente en el ambiente, sus escenarios eran fiestas particulares y, justamente, en una de estas fiestas conocen a su actual representante, Servando Cano, a quién le gustó su música y les brindó ayuda consiguiéndoles entrar a Discos DLV.
Su primer material discográfico “Laurita Garza” los colocó en el género norteño. Corría el año de 1982 cuando por fin vieron los frutos de su trabajo, ya que con el tema “Mi Casa Nueva”, lograron el despunte que necesitaban y por él recibieron su primer Disco de Oro.
1993 marca una nueva etapa en INVASORES pues se realizó un cambio de vocalista, Lalo Mora decide dejar el grupo integrándose Isaías Lucero. Durante esa época la producción “Playa Sola” recibió Disco de Oro por más de 100 mil copias vendidas.
Javier Rios (acordeón y 2a. voz), Homero de León (bajo eléctrico) y Eliud López (batería), se enfrentan a un nuevo reto, la salida de Isaias Lucero y la integración de dos nuevos elementos, Rigoberto Marroquín (bajo sexto) y Rolando Marroquín (primera voz), quienes desde el 23 de mayo de 1997 se integraron al equipo de LOS INVASORES DE NUEVO LEON.
Con “Ventanas al Viento” dan un giro, agregándole a algunos temas un sonido diferente sin perder su estilo, conservando así al público de siempre y logrando un acercamiento musical con la juventud, concepto que les funcionó bastante bien pues recibieron Disco de Oro.
Un acierto más en 17 años de carrera fue la grabación del disco “Vuelvo Contigo” donde sin duda alguna el tema “ A mí que me quedó” logró un éxito inesperado, ya que permaneció en primer lugar de popularidad en las estaciones de radio durante cinco meses consecutivos y fue catalogada como canción del año.
El tema de la autoría de Marco A. Pérez los llevó a obtener Doble Disco de Oro y Disco de Platino en México y Disco de Oro en Estados Unidos, también en el ’98 recibieron una presea de la revista grupera “Furia Musical” por ser considerados “El Suceso Musical Norteño”.
Al celebrar su 20 Aniversario, graban por primera ocasión un disco específicamente de boleros. Este álbum número 34 lleva por título “Boleros 20 Aniversario”.
Siguiendo con el festejo Los Invasores de Nuevo León sacan al mercado un nuevo disco titulado “Tiempo al Tiempo” con el que lograron obtener Disco de Oro.
“Los Idolos de la Música Norteña”, presentan su producción 36 titulada “Hasta el Final”, del que se desprende un tema homenaje a su representante Servando Cano, titulado “El Zar de los Grupos”, el cual interpreta Javier Ríos a dueto con Ricky Muñoz, vocalista de Intocable y con el que rebasaron las 90 mil unidades, lo que los hizo merecedores de Disco de Oro.
Los Invasores de Nuevo León han participado en 13 películas y filmado más de 15 vídeoclips.
Inician el 2003 con “Señal de Alerta” producción en la que incluyen 12 temas entre cumbias, rancheras, baladas y boleros, el sencillo a promocionar se titula “Ni que tuvieras tanta suerte”.
Los Invasores de Nuevo León nos presentan a finales del 2004 su disco número 39 “Los Más Buscados”, este disco incluye cumbias, rancheras, norteñas y un corrido, el cual, aseguran, será toda una sorpresa.
Fue hasta 1980 que empezaron profesionalmente en el ambiente, sus escenarios eran fiestas particulares y, justamente, en una de estas fiestas conocen a su actual representante, Servando Cano, a quién le gustó su música y les brindó ayuda consiguiéndoles entrar a Discos DLV.
Su primer material discográfico “Laurita Garza” los colocó en el género norteño. Corría el año de 1982 cuando por fin vieron los frutos de su trabajo, ya que con el tema “Mi Casa Nueva”, lograron el despunte que necesitaban y por él recibieron su primer Disco de Oro.
1993 marca una nueva etapa en INVASORES pues se realizó un cambio de vocalista, Lalo Mora decide dejar el grupo integrándose Isaías Lucero. Durante esa época la producción “Playa Sola” recibió Disco de Oro por más de 100 mil copias vendidas.
Javier Rios (acordeón y 2a. voz), Homero de León (bajo eléctrico) y Eliud López (batería), se enfrentan a un nuevo reto, la salida de Isaias Lucero y la integración de dos nuevos elementos, Rigoberto Marroquín (bajo sexto) y Rolando Marroquín (primera voz), quienes desde el 23 de mayo de 1997 se integraron al equipo de LOS INVASORES DE NUEVO LEON.
Con “Ventanas al Viento” dan un giro, agregándole a algunos temas un sonido diferente sin perder su estilo, conservando así al público de siempre y logrando un acercamiento musical con la juventud, concepto que les funcionó bastante bien pues recibieron Disco de Oro.
Un acierto más en 17 años de carrera fue la grabación del disco “Vuelvo Contigo” donde sin duda alguna el tema “ A mí que me quedó” logró un éxito inesperado, ya que permaneció en primer lugar de popularidad en las estaciones de radio durante cinco meses consecutivos y fue catalogada como canción del año.
El tema de la autoría de Marco A. Pérez los llevó a obtener Doble Disco de Oro y Disco de Platino en México y Disco de Oro en Estados Unidos, también en el ’98 recibieron una presea de la revista grupera “Furia Musical” por ser considerados “El Suceso Musical Norteño”.
Al celebrar su 20 Aniversario, graban por primera ocasión un disco específicamente de boleros. Este álbum número 34 lleva por título “Boleros 20 Aniversario”.
Siguiendo con el festejo Los Invasores de Nuevo León sacan al mercado un nuevo disco titulado “Tiempo al Tiempo” con el que lograron obtener Disco de Oro.
“Los Idolos de la Música Norteña”, presentan su producción 36 titulada “Hasta el Final”, del que se desprende un tema homenaje a su representante Servando Cano, titulado “El Zar de los Grupos”, el cual interpreta Javier Ríos a dueto con Ricky Muñoz, vocalista de Intocable y con el que rebasaron las 90 mil unidades, lo que los hizo merecedores de Disco de Oro.
Los Invasores de Nuevo León han participado en 13 películas y filmado más de 15 vídeoclips.
Inician el 2003 con “Señal de Alerta” producción en la que incluyen 12 temas entre cumbias, rancheras, baladas y boleros, el sencillo a promocionar se titula “Ni que tuvieras tanta suerte”.
Los Invasores de Nuevo León nos presentan a finales del 2004 su disco número 39 “Los Más Buscados”, este disco incluye cumbias, rancheras, norteñas y un corrido, el cual, aseguran, será toda una sorpresa.
pinturas rococo
El arte rococó, que floreció en Francia y en Alemania a principios del siglo XVIII, era en muchos aspectos una continuación del barroco, sobre todo en lo concerniente al uso de la luz y de la sombra y al movimiento compositivo. Sin embargo, el rococó es un estilo más ligero y festivo, muy adecuado para la decoración de las residencias parisinas. Entre los pintores rococó destaca Jean Antoine Watteau, conocido por sus pinturas etéreas de enamorados elegantemente vestidos, solazándose en las fêtes galantes (reuniones al aire libre, que estaban de moda); estas fantasías bucólicas fueron muy emuladas por otros artistas franceses.
También eran muy populares las escenas mitológicas y pastorales, en las que aparecían mujeres desenfadadas y distinguidas, realizadas por François Boucher y Jean-Honoré Fragonard. Por su parte, J. B. S. Chardin, también destacado como pintor de bodegones, confería a las mujeres el papel de madre y de ama de casa en sus escenas de género. Como ejemplo del estilo rococó en Alemania está la obra del pintor italiano Giovanni Battista Tiepolo, que pasó algún tiempo en Wurzburgo; los techos de la sala de la escalera y del salón de recepciones del palacio episcopal de Wurzburgo están decorados con sus frescos de gran ilusionismo.
Como parangón a la tradición rococó del continente, se encuentran las obras de tres destacados artistas ingleses del siglo XVIII. William Hogarth era conocido por sus cuadros y grabados de tono moralizante, en los que satirizaba los disparates sociales de su época, como en su famosa serie (primero pintada y después grabada) Mariage à la mode (1745), en la que relata la ruinosa trayectoria de los matrimonios de conveniencia. Thomas Gainsborough y Sir Joshua Reynolds, siguiendo la tradición establecida por van Dyck, se centraron en retratar a la aristocracia inglesa. El vigor y la gracia de estos retratos, y su penetrante interpretación psicológica, los elevan del simple retrato social a un incomparable registro de las modas y costumbres de las clases adineradas de la época.
viernes, 13 de mayo de 2011
"EL POP ART"
El Pop Art es un movimiento artístico que utiliza la técnica de la yuxtaposición de diferentes elementos: cera, oleo, pintura plástica.....con materiales de desecho: fotografías, trapos viejos, collages, assemblages...etc. Este movimiento irónico de pintura,surge en 1960 en Norteamérica.
El Pop es una manifestación occidental que ha ido creciendo bajo la sombra de las condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. Norteamérica es el centro del programa, con lo cual se produce la americanización de la cultura de todo el mundo Occidental, en especial la de Europa.
El Pop nace en dos ciudades: New York y Londres.
Los temas pictóricos del "Pop Art" estan motivados por la vida cotidiana, reflejan las realidades de una época y refuerzan el cambio cultural. La Coca-Cola, los Helados, el Seven-Up, la Pepsi-Cola, la Pasta de dientes, la Sopa de conserva, los Cigarrillos....se convierte en la iconografía del "Pop Art".
[::::::la musica norteña: sus origenes:::::::]
La música norteña es el género de música popular mexicana interpretado por un conjunto norteño, que consiste en una instrumentación de acordeón y bajo sexto (en algunas regiones conocida como fara-fara), con adición de contrabajo, tarola, violín y, ocasionalmente, saxofón. Su repertorio posee formas musicales cantadas e instrumentales que provienen tanto de la tradición musical mexicana (corrido, bolero, huapango) como de la música de baile europea del siglo XIX (polca, chotis, redova). Las piezas cantadas son muy populares en México, entre la comunidad mexicana de Estados Unidos, Colombia y en otros países latinoamericanos. Aunque originaria de áreas rurales del noreste de México, la música norteña es hoy sumamente popular en áreas urbanas tanto como en el campo.
Orígenes
Los orígenes del estilo norteño se remontan antes de la introducción del acordeón y el bajo sexto, a los tiempos del virreinato español, donde el violín fue el instrumento principal para la música popular. Después de la Independencia de México, este estilo de música se extendió rápidamente por el norte del país, donde fue tocado durante fiestas, fandangos y festividades, en su mayor parte para bailar. Hay pocas grabaciones sobrevivientes de los orígenes de esta música. Un género menos conocido de esta época de pre-acordeón, es la música a capella de canción cardenche, la cual sobrevive actualmente sólo en el sudoeste de Coahuila, en la región de la Comarca Lagunera.
Durante la segunda mitad del siglo XIX, inmigrantes bohemios y checos se instalaron en el norte de México que incluía lo que ahora es el sur de los EEUU, aportando diferentes estilos musicales, entre ellos la redova y la varsoviana. Así mismo introdujeron a la escena musical el acordeón y el ritmo de la polka, que formaban parte de la música popular de su patria. Pronto, fueron adaptándose éstos elementos, y un extraordinario nuevo estilo resultó gradualmente enriqueciendo los estilos mexicanos de música ranchera. Este nuevo estilo pronto llegó a ser un género propio, la norteña, así denominado porque fue popular sobre todo en las regiones septentrionales de México.
Después de 1910, los antiguos romances españoles que habían evolucionado hasta formar el género auténtico del corrido, entraron en una etapa de oro cuando mexicanos de ambos lados de la frontera norte del país, revolucionaron este género narrativo musical, dando a conocer las noticias y los personajes protagonistas de diversas facciones de la Revolución Mexicana, teniendo a sus máximos y pristinos interpretes a Los Alegres de Terán (Eugenio Abrego y Tomas Ortiz).
Después de la segunda mitad del siglo XX, Piporro,Los Montañeses del Álamo, Ramón Ayala, Cornelio Reyna, Los Invasores de Nuevo León, Los Cadetes de Linares, Luis y Julián, Carlos y José y Los Rancheritos del Topo Chico comercializaron la música norteña, haciéndola popular en el resto de México.
Más adelante, hacia la década de los 80's y 90's, bandas como Los Tigres del Norte y más recientemente Intocable, agregaron las influencias de la cumbia, de la música rock, y de otros nuevos estilos, creando así una mezcla extraordinaria y de gran sensibilidad musical en muchas de sus canciones.
agrupaciones destacadas::::
Años 40's y 50's
Los Alegres de Terán
Los Montañeses del Álamo
Eulalio González "Piporro"
Años 60's y 70's
Los Cadetes de Linares
El Palomo y El Gorrión
Los Rancheritos del Topo Chico
Los Relámpagos del Norte
Los Invasores de Nuevo León
Ramón Ayala y sus Bravos del Norte
Luis y Julián
Lorenzo de Monteclaro
Carlos y José
Los Tigres del Norte
Años 80's y 90's
Los Rieleros del Norte
Los Traileros del Norte
Los Cardenales de Nuevo Leon
Bronco
Los Huracanes del Norte
Intocable
Los Tucanes de Tijuana
Grupo Pesado
Grupo Duelo
Gran Sismo Tropikal
Orígenes
Los orígenes del estilo norteño se remontan antes de la introducción del acordeón y el bajo sexto, a los tiempos del virreinato español, donde el violín fue el instrumento principal para la música popular. Después de la Independencia de México, este estilo de música se extendió rápidamente por el norte del país, donde fue tocado durante fiestas, fandangos y festividades, en su mayor parte para bailar. Hay pocas grabaciones sobrevivientes de los orígenes de esta música. Un género menos conocido de esta época de pre-acordeón, es la música a capella de canción cardenche, la cual sobrevive actualmente sólo en el sudoeste de Coahuila, en la región de la Comarca Lagunera.
Durante la segunda mitad del siglo XIX, inmigrantes bohemios y checos se instalaron en el norte de México que incluía lo que ahora es el sur de los EEUU, aportando diferentes estilos musicales, entre ellos la redova y la varsoviana. Así mismo introdujeron a la escena musical el acordeón y el ritmo de la polka, que formaban parte de la música popular de su patria. Pronto, fueron adaptándose éstos elementos, y un extraordinario nuevo estilo resultó gradualmente enriqueciendo los estilos mexicanos de música ranchera. Este nuevo estilo pronto llegó a ser un género propio, la norteña, así denominado porque fue popular sobre todo en las regiones septentrionales de México.
Después de 1910, los antiguos romances españoles que habían evolucionado hasta formar el género auténtico del corrido, entraron en una etapa de oro cuando mexicanos de ambos lados de la frontera norte del país, revolucionaron este género narrativo musical, dando a conocer las noticias y los personajes protagonistas de diversas facciones de la Revolución Mexicana, teniendo a sus máximos y pristinos interpretes a Los Alegres de Terán (Eugenio Abrego y Tomas Ortiz).
Después de la segunda mitad del siglo XX, Piporro,Los Montañeses del Álamo, Ramón Ayala, Cornelio Reyna, Los Invasores de Nuevo León, Los Cadetes de Linares, Luis y Julián, Carlos y José y Los Rancheritos del Topo Chico comercializaron la música norteña, haciéndola popular en el resto de México.
Más adelante, hacia la década de los 80's y 90's, bandas como Los Tigres del Norte y más recientemente Intocable, agregaron las influencias de la cumbia, de la música rock, y de otros nuevos estilos, creando así una mezcla extraordinaria y de gran sensibilidad musical en muchas de sus canciones.
agrupaciones destacadas::::
Años 40's y 50's
Los Alegres de Terán
Los Montañeses del Álamo
Eulalio González "Piporro"
Años 60's y 70's
Los Cadetes de Linares
El Palomo y El Gorrión
Los Rancheritos del Topo Chico
Los Relámpagos del Norte
Los Invasores de Nuevo León
Ramón Ayala y sus Bravos del Norte
Luis y Julián
Lorenzo de Monteclaro
Carlos y José
Los Tigres del Norte
Años 80's y 90's
Los Rieleros del Norte
Los Traileros del Norte
Los Cardenales de Nuevo Leon
Bronco
Los Huracanes del Norte
Intocable
Los Tucanes de Tijuana
Grupo Pesado
Grupo Duelo
Gran Sismo Tropikal
LA MARAVILLOSA FRIDA KAHLO
Magdalena Carmen Frida Khalo y Calderón nació el 6 de julio de 1907 en Coyoacán, México. Era la tercera de cuatro hijas del matrimonio de Matilde Calderón y Guillermo Kahlo. A los seis años enfermó de poliomielitis lo que provocó que su pierna derecha adelgazara. Una enfermedad que ella intentaba ocultar, de joven bajo pantalones, más tarde bajo largas faldas mexicanas. Su padre, fotógrafo de profesión, le enseño a utilizar la cámara, revelar, retocar y colorear, lo cual le sería útil para su pintura.
En 1922 se matriculó en la Escuela Nacional Preparatoria. Le interesaban las ciencias naturales, biología y anatomía, y deseaba ser médico. En la escuela era miembro de un grupo apodado "Los cachuchas", quienes se identifican con una gorra de traficante. Era un grupo interesado en la literatura y con ideas social nacionalistas. De sus filas saldrían más tarde varios líderes de la izquierda mexicana.
En 1925, Frida y su amigo Alejandro Gómez Arias sufrieron un accidente al chocar el autobús en que viajaban con un tranvía. Frida pasó tres meses en cama y al año le detectaron una vértebra rota lo que exigió el uso de corsés durante nueve meses. Como tenía que pasar dias en cama con movimientos reducidos empezó a pintar. En su cama se instaló un caballete que le permitía pintar recostada y comenzó a pintar su primer cuadro, el retrato de una amiga. Luego al tener un espejo cerca pudo verse a sí misma y pintar sus autorretratos. Más tarde diría: "Me retrato a mí misma porque paso mucho tiempo sola y porque soy el motivo que mejor conozco".
Primero fue realista -retratos de amigos y familiares, flores-; después, a causa de la intensidad de sus sentimientos y de un cuerpo destrozado, pintó más y más su propia imagen combinada con expresiones oníricas a veces brutales. Parte de su obra incluso se ha asociado a tendencias surrealistas.
En 1929 contrajo nupcias con Diego Rivera, de quien se divorció en 1940 para volverse a casar con él un año después. Fue maestra de pintura en la Escuela de Artes Plásticas, y miembro del Seminario de Cultura Mexicana. En 1938 montó su primera exposición individual en la Julien Levy Gallery de Nueva York.
Algunos de sus trabajos fueron incluidos en la Exposición "Mexique" de 1939, en la Galería Renou et Colle de París, así como en diversas colectivas a lo largo de su vida en México. Participó en la Exposición Internacional del Surrealismo organizada en 1940 en la Galería de Arte Moderno en la capital de México. Instituciones de la importancia del Museo de Arte Moderno de Nueva York y Georges Pompidou de París cuentan con obra de la pintora.
En 1950, es operan siete veces de la columna vertebral, por lo que tiene que pasar nueve meses en el hospital. Tres años después, cuando Frida cuenta con 46 años, se organiza su primera exposición individual en México. La alegría de ese año termina cuando han de amputarle la pierna derecha.
La frustración maternal, los celos por las infidelidades de su marido y su progresivo deterioro, fueron los grandes temas centrales de su obra.
Frida explica que "Me retrato a mí misma porque paso mucho tiempo sola y porque soy el motivo que mejor conozco. Supongo que por eso acabo rompiendo tabúes relacionados con el cuerpo y la sexualidad de las mujeres".
El 13 de julio de 1954 muere Frida Kahlo en la Casa Azul a causa de una embolia pulmonar, ya no ha de preocuparse por combatir las ganas de suicidarse que en ocasiones le asaltaban. La artista murió a los 47 años pero su popularidad y reconocimiento nació desde aquel día y sus cuadros se han llegado a valorar hasta en un millón y medio de euros.
En 1922 se matriculó en la Escuela Nacional Preparatoria. Le interesaban las ciencias naturales, biología y anatomía, y deseaba ser médico. En la escuela era miembro de un grupo apodado "Los cachuchas", quienes se identifican con una gorra de traficante. Era un grupo interesado en la literatura y con ideas social nacionalistas. De sus filas saldrían más tarde varios líderes de la izquierda mexicana.
En 1925, Frida y su amigo Alejandro Gómez Arias sufrieron un accidente al chocar el autobús en que viajaban con un tranvía. Frida pasó tres meses en cama y al año le detectaron una vértebra rota lo que exigió el uso de corsés durante nueve meses. Como tenía que pasar dias en cama con movimientos reducidos empezó a pintar. En su cama se instaló un caballete que le permitía pintar recostada y comenzó a pintar su primer cuadro, el retrato de una amiga. Luego al tener un espejo cerca pudo verse a sí misma y pintar sus autorretratos. Más tarde diría: "Me retrato a mí misma porque paso mucho tiempo sola y porque soy el motivo que mejor conozco".
Primero fue realista -retratos de amigos y familiares, flores-; después, a causa de la intensidad de sus sentimientos y de un cuerpo destrozado, pintó más y más su propia imagen combinada con expresiones oníricas a veces brutales. Parte de su obra incluso se ha asociado a tendencias surrealistas.
En 1929 contrajo nupcias con Diego Rivera, de quien se divorció en 1940 para volverse a casar con él un año después. Fue maestra de pintura en la Escuela de Artes Plásticas, y miembro del Seminario de Cultura Mexicana. En 1938 montó su primera exposición individual en la Julien Levy Gallery de Nueva York.
Algunos de sus trabajos fueron incluidos en la Exposición "Mexique" de 1939, en la Galería Renou et Colle de París, así como en diversas colectivas a lo largo de su vida en México. Participó en la Exposición Internacional del Surrealismo organizada en 1940 en la Galería de Arte Moderno en la capital de México. Instituciones de la importancia del Museo de Arte Moderno de Nueva York y Georges Pompidou de París cuentan con obra de la pintora.
En 1950, es operan siete veces de la columna vertebral, por lo que tiene que pasar nueve meses en el hospital. Tres años después, cuando Frida cuenta con 46 años, se organiza su primera exposición individual en México. La alegría de ese año termina cuando han de amputarle la pierna derecha.
La frustración maternal, los celos por las infidelidades de su marido y su progresivo deterioro, fueron los grandes temas centrales de su obra.
Frida explica que "Me retrato a mí misma porque paso mucho tiempo sola y porque soy el motivo que mejor conozco. Supongo que por eso acabo rompiendo tabúes relacionados con el cuerpo y la sexualidad de las mujeres".
El 13 de julio de 1954 muere Frida Kahlo en la Casa Azul a causa de una embolia pulmonar, ya no ha de preocuparse por combatir las ganas de suicidarse que en ocasiones le asaltaban. La artista murió a los 47 años pero su popularidad y reconocimiento nació desde aquel día y sus cuadros se han llegado a valorar hasta en un millón y medio de euros.
William Shakespeare el espectacular dramaturgo
Stratford on Avon, Reino Unido, 1564-id., 1616) Dramaturgo y poeta inglés. Tercero de los ocho hijos de John Shakespeare, un acaudalado comerciante y político local, y Mary Arden, cuya familia había sufrido persecuciones religiosas derivadas de su confesión católica, poco o nada se sabe de la niñez y adolescencia de William Shakespeare.
Parece probable que estudiara en la Grammar School de su localidad natal, si bien se desconoce cuántos años y en qué circunstancias. Según un coetáneo suyo, William Shakespeare aprendió «poco latín y menos griego», y en todo caso parece también probable que abandonara la escuela a temprana edad debido a las dificultades por que atravesaba su padre, ya fueran éstas económicas o derivadas de su carrera política.
Sea como fuere, siempre se ha considerado a Shakespeare como una persona culta, pero no en exceso, y ello ha posibilitado el nacimiento de teorías según las cuales habría sido tan sólo el hombre de paja de alguien deseoso de permanecer en el anonimato literario. A ello ha contribuido también el hecho de que no se disponga en absoluto de escritos o cartas personales del autor, quien parece que sólo escribió, aparte de su producción poética, obras para la escena.
La andadura de Shakespeare como dramaturgo empezó tras su traslado a Londres, donde rápidamente adquirió fama y popularidad en su trabajo para la compañía Chaberlain’s Men, más tarde conocida como King’s Men, propietaria de dos teatros, The Globe y Blackfriars. También representó, con éxito, en la corte. Sus inicios fueron, sin embargo, humildes, y según las fuentes trabajó en los más variados oficios, si bien parece razonable suponer que estuvo desde el principio relacionado con el teatro, puesto que antes de consagrarse como autor se le conocía ya como actor.
Su estancia en la capital británica se fecha, aproximadamente, entre 1590 y 1613, año este último en que dejó de escribir y se retiró a su localidad natal, donde adquirió una casa conocida como New Place, mientras invertía en bienes inmuebles de Londres la fortuna que había conseguido amasar.
La publicación, en 1593, de su poema Venus y Adonis, muy bien acogido en los ambientes literarios londinenses, fue uno de sus primeros éxitos. De su producción poética posterior cabe destacar La violación de Lucrecia (1594) y los Sonetos (1609), de temática amorosa y que por sí solos lo situarían entre los grandes de la poesía anglosajona.
Con todo, fue su actividad como dramaturgo lo que dio fama a Shakespeare en la época. Su obra, en total catorce comedias, diez tragedias y diez dramas históricos, es un exquisito compendio de los sentimientos, el dolor y las ambiciones del alma humana. Tras unas primeras tentativas, en las que se transparenta la influencia de Marlowe, antes de 1600 aparecieron la mayoría de sus «comedias alegres» y algunos de sus dramas basados en la historia de Inglaterra. Destaca sobre todo la fantasía y el sentido poético de las comedias de este período, como en Sueño de una noche de verano; el prodigioso dominio del autor en la versificación le permitía distinguir a los personajes por el modo de hablar, amén de dotar a su lenguaje de una naturalidad casi coloquial.
A partir de 1600, Shakespeare publica las grandes tragedias y las llamadas «comedias oscuras». Los grandes temas son tratados en las obras de este período con los acentos más ambiciosos, y sin embargo lo trágico surge siempre del detalle realista o del penetrante tratamiento psicológico del personaje, que induce al espectador a identificarse con él: así, Hamlet refleja la incapacidad de actuar ante el dilema moral entre venganza y perdón; Otelo, la crueldad gratuita de los celos; y Macbeth, la cruel tentación del poder.
En sus últimas obras, a partir de 1608, cambia de registro y entra en el género de la tragicomedia, a menudo con un final feliz en el que se entrevé la posibilidad de la reconciliación, como sucede en Pericles. Shakespeare publicó en vida tan sólo 16 de las obras que se le atribuyen; por ello, algunas de ellas posiblemente se hubieran perdido de no publicarse (pocos años después de la muerte del poeta) el Folio, volumen recopilatorio que serviría de base para todas las ediciones posteriores.
the rolling stones
The Rolling Stones es una banda británica de rock originaria de Londres. Desde su gira por los Estados Unidos en 1969 se autonombraron «La banda de rock and roll más grande del mundo».[nota 1] [2] Fue fundada en 1962 por Brian Jones, al que se le unieron Mick Jagger, Keith Richards, Ian Stewart, Geoff Bradford y Dick Taylor. Tony Chapman (otros citan a Mick Avory) los apoyó en la batería durante sus primeras presentaciones. Tras la salida de Bradford, Taylor y Chapman, ingresaron el bajista Bill Wyman y el baterista Charlie Watts en lugar de estos dos últimos, respectivamente. A petición de su mánager, Stewart fue retirado de la alineación en 1963, aunque siguió colaborando en las sesiones de grabación y como su road manager. Brian Jones fue despedido en 1969, falleciendo al poco tiempo, y reemplazado por el guitarrista Mick Taylor, que dejaría el grupo en 1975 y sería reemplazado por Ron Wood. Con el retiro de Bill Wyman en 1993 incluyeron al bajista Darryl Jones y aunque toca con la banda desde la grabación del álbum Voodoo Lounge en 1994 hasta la actualidad, no es un miembro oficial.
Sus primeras producciones incluían versiones y temas de blues, rock and roll y R&B norteamericano, no obstante, con el pasar de su trayectoria adicionaron toques estilísticos de otros géneros para adaptarse a la época, con influencias diversas como música psicodélica, country, punk, música disco, reggae y música electrónica. Pese a encabezar junto a The Beatles, con los que siempre rivalizaron en popularidad,[3] la «invasión británica» en los primeros años de la década de 1960,[nota 2] [4] no fue sino hasta el lanzamiento de «(I Can't Get No) Satisfaction» en 1965 que alcanzaron el estrellato internacional y se establecieron como una de las bandas más populares en la escena musical.[5] A la fecha, la banda ha editado veinticinco álbumes de estudio[6] y colocado treinta y dos sencillos dentro de las diez más populares de Reino Unido y los Estados Unidos.[7] Las ventas totales de The Rolling Stones se estiman entre 200[8] y 250 millones de discos,[9] [10] convirtiéndolos en uno de los artistas más exitosos de todos los tiempos.
Son considerados una de las más grandes e influyentes agrupaciones de la historia del rock,[11] siendo la agrupación que sentó las bases del rock contemporáneo.[12] [13] [14] Contando desde sus inicios con el favor de la crítica, algunos de sus materiales están considerados entre los mejores de todos los tiempos,[15] [16] [17] [18] entre los que destacan Beggars Banquet (1968), Let It Bleed (1969), Sticky Fingers (1971) y su considerada obra máxima Exile on Main St. (1972).[nota 3] En 1989 fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll, y en 2004 la revista estadounidense Rolling Stone los colocó en el puesto No. 4 en su lista de Los 100 Mejores Artistas de todos los Tiempos.[19] Ningún grupo de rock hasta la fecha ha sostenido tan duradera y todavía mundialmente reconocida trayectoria como The Rolling Stones; con Jagger, Richards y Watts como únicos miembros fundadores en activo, continúan siendo la banda más longeva en la historia del rock.
Sus primeras producciones incluían versiones y temas de blues, rock and roll y R&B norteamericano, no obstante, con el pasar de su trayectoria adicionaron toques estilísticos de otros géneros para adaptarse a la época, con influencias diversas como música psicodélica, country, punk, música disco, reggae y música electrónica. Pese a encabezar junto a The Beatles, con los que siempre rivalizaron en popularidad,[3] la «invasión británica» en los primeros años de la década de 1960,[nota 2] [4] no fue sino hasta el lanzamiento de «(I Can't Get No) Satisfaction» en 1965 que alcanzaron el estrellato internacional y se establecieron como una de las bandas más populares en la escena musical.[5] A la fecha, la banda ha editado veinticinco álbumes de estudio[6] y colocado treinta y dos sencillos dentro de las diez más populares de Reino Unido y los Estados Unidos.[7] Las ventas totales de The Rolling Stones se estiman entre 200[8] y 250 millones de discos,[9] [10] convirtiéndolos en uno de los artistas más exitosos de todos los tiempos.
Son considerados una de las más grandes e influyentes agrupaciones de la historia del rock,[11] siendo la agrupación que sentó las bases del rock contemporáneo.[12] [13] [14] Contando desde sus inicios con el favor de la crítica, algunos de sus materiales están considerados entre los mejores de todos los tiempos,[15] [16] [17] [18] entre los que destacan Beggars Banquet (1968), Let It Bleed (1969), Sticky Fingers (1971) y su considerada obra máxima Exile on Main St. (1972).[nota 3] En 1989 fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll, y en 2004 la revista estadounidense Rolling Stone los colocó en el puesto No. 4 en su lista de Los 100 Mejores Artistas de todos los Tiempos.[19] Ningún grupo de rock hasta la fecha ha sostenido tan duradera y todavía mundialmente reconocida trayectoria como The Rolling Stones; con Jagger, Richards y Watts como únicos miembros fundadores en activo, continúan siendo la banda más longeva en la historia del rock.
the beattles
The Beatles fue una banda inglesa de rock formada en Liverpool en 1960. Es frecuentemente reconocida como la más comercialmente exitosa y críticamente aclamada en la historia de la música popular.[6] [7] [8] [9] Desde 1962 estuvo integrada por John Lennon (guitarra rítmica, vocalista), Paul McCartney (bajo, vocalista), George Harrison (guitarra solista, vocalista) y Ringo Starr (batería, vocalista). Aunque en sus inicios tocaban skiffle y rock and roll de los años cincuenta, a lo largo de su carrera trabajaron con distintos géneros musicales, interpretando desde el folk rock hasta el rock psicodélico. La naturaleza de su enorme popularidad, que había emergido primeramente con la moda de la «Beatlemanía», se transformó al tiempo que sus composiciones se volvieron más sofisticadas. Llegaron a ser percibidos como la encarnación de los ideales progresistas, extendiendo su influencia en las revoluciones sociales y culturales de la década de 1960.
Con una formación inicial de cinco componentes que incluía a Lennon, McCartney, Harrison, Stuart Sutcliffe (bajo) y Pete Best (batería), construyeron su reputación en los clubes de Liverpool y Hamburgo en un período de tres años a partir de 1960. Sutcliffe abandonó la formación en 1961, y Best fue reemplazado por Starr al año siguiente. Establecidos como grupo profesional después de que Brian Epstein les ofreciera ser su representante, y con su potencial musical mejorado por la creatividad del productor George Martin, lograron éxito comercial en el Reino Unido a finales de 1962 con su primer sencillo, «Love Me Do». A partir de ahí, fueron adquiriendo popularidad internacional a lo largo de los siguientes años, en los cuales hicieron un extenso número de giras hasta 1966, año en que cesaron la actividad en vivo para dedicarse únicamente a la grabación en el estudio hasta su disolución en 1970. Después, todos sus integrantes se embarcaron en exitosas carreras independientes. Lennon sería asesinado a las afueras de su casa de Nueva York en 1980, y Harrison fallecería de cáncer en 2001. McCartney y Starr aún permanecen activos.
arte "abstracto"
El arte abstracto es un movimiento artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyo propósito es prescindir de todos los elementos figurativos, para así concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin ninguna relación con la realidad visual.
Pintura abstracta
En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática.
El ruso Wasily Kandinsky es el artista que impulsa la pintura no figurativa en Munich, a principios del siglo XX. “En el campo pictórico, una mancha redonda puede ser más significativa que una figura humana”, señala el pintor. Para él, el elemento interior determina la obra de arte. En 1921 Kandinsky se traslada a Berlín dónde se incorpora a la escuela de diseño, arte y arquitectura de la Bauhaus. En esta escuela se encuentra otro de los artistas destacados en la pintura abstracta, el suizo Paul Klee. El maestro explicaba en sus clases y en sus escritos cómo los elementos gráficos (el punto, la línea, el plano y el espacio) adquieren significado mediante una descarga de energía dentro de la mente del artista.
Escultura abstracta
A lo largo del siglo XX ha habido muchos artistas plásticos que han pasado por la abstracción. La escultura abstracta persigue los mismos fines que la pintura abstracta. Hans (Jean) Arp, pintor y escultor francoalemán es uno de los máximos exponentes de este tipo de escultura. Arp aplicaba las formas de sus pinturas en un arte de tres dimensiones, desarrollando una iconografía de formas orgánicas conocida como escultura biomórfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad.
Otro de los escultores que se fija en la abstracción es Naum Gabo Pevsner, con obras como “Columna desarrollada” o “La columna de la paz”, dónde cuatro ángeles desean materializar el espacio. El artista español Eduardo Chillida fue otro de ellos. Representante de la abstracción plena, Chillida abandonó sus estudios de arquitectura para esculpir bloques enormes de hierro en los que parece haber representado el punto de unión entre la arquitectura y la escultura.
Expresionismo abstracto
El expresionismo abstracto es el primero de los grandes movimientos artísticos de la posguerra. Es, de hecho, la trayectoria que siguió la pintura abstracta a partir de los años 1940 en Europa y en América. Tiene sus raíces en el surrealismo , el movimiento más importante del periodo preguerra. En este nuevo estilo, también denominado “informalismo”, un grupo de artistas llamados “pintores de la materia”, intentaron establecer una variante del collage. Mediante mezclas de arena, yeso y otros materiales, consiguieron dotar de una rugosidad tridimensional (propia de la escultura) a una tela plana.
Este polémico estilo fue fundado por Jackson Pollock y Willem de Kooning. Para referirse a él se usa también los términos Action Painting (Pintura de Acción), acuñado por el crítico Harold Rosemberg, y American Type Painting (Pintura de tipo americano), utilizado por Clement Greenberg, para distinguirla de la pintura europea.
El grupo lo forman otros artistas como Mark Rothko, Baziotes, Gorky, Gottlieb, Guston, Louise Nevelson, Hofmann, Kline, Motherwell, Newman, Jackson Pollock, Pousette- Dart, Reinhardt, y Still.
Otro grupo de artistas relacionados con el expresionismo abstracto son los denominados “tachistas” (de tache, mancha). Ellos creían en el poder surgido de las manchas. Se dieron cuenta que con manchas y pastas nuevas era posible representar la textura de la materia. Un ejemplo de este tipo de arte es la pintura gestual del artista francés Michaux.
Pintura abstracta
En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática.
El ruso Wasily Kandinsky es el artista que impulsa la pintura no figurativa en Munich, a principios del siglo XX. “En el campo pictórico, una mancha redonda puede ser más significativa que una figura humana”, señala el pintor. Para él, el elemento interior determina la obra de arte. En 1921 Kandinsky se traslada a Berlín dónde se incorpora a la escuela de diseño, arte y arquitectura de la Bauhaus. En esta escuela se encuentra otro de los artistas destacados en la pintura abstracta, el suizo Paul Klee. El maestro explicaba en sus clases y en sus escritos cómo los elementos gráficos (el punto, la línea, el plano y el espacio) adquieren significado mediante una descarga de energía dentro de la mente del artista.
Escultura abstracta
A lo largo del siglo XX ha habido muchos artistas plásticos que han pasado por la abstracción. La escultura abstracta persigue los mismos fines que la pintura abstracta. Hans (Jean) Arp, pintor y escultor francoalemán es uno de los máximos exponentes de este tipo de escultura. Arp aplicaba las formas de sus pinturas en un arte de tres dimensiones, desarrollando una iconografía de formas orgánicas conocida como escultura biomórfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad.
Otro de los escultores que se fija en la abstracción es Naum Gabo Pevsner, con obras como “Columna desarrollada” o “La columna de la paz”, dónde cuatro ángeles desean materializar el espacio. El artista español Eduardo Chillida fue otro de ellos. Representante de la abstracción plena, Chillida abandonó sus estudios de arquitectura para esculpir bloques enormes de hierro en los que parece haber representado el punto de unión entre la arquitectura y la escultura.
Expresionismo abstracto
El expresionismo abstracto es el primero de los grandes movimientos artísticos de la posguerra. Es, de hecho, la trayectoria que siguió la pintura abstracta a partir de los años 1940 en Europa y en América. Tiene sus raíces en el surrealismo , el movimiento más importante del periodo preguerra. En este nuevo estilo, también denominado “informalismo”, un grupo de artistas llamados “pintores de la materia”, intentaron establecer una variante del collage. Mediante mezclas de arena, yeso y otros materiales, consiguieron dotar de una rugosidad tridimensional (propia de la escultura) a una tela plana.
Este polémico estilo fue fundado por Jackson Pollock y Willem de Kooning. Para referirse a él se usa también los términos Action Painting (Pintura de Acción), acuñado por el crítico Harold Rosemberg, y American Type Painting (Pintura de tipo americano), utilizado por Clement Greenberg, para distinguirla de la pintura europea.
El grupo lo forman otros artistas como Mark Rothko, Baziotes, Gorky, Gottlieb, Guston, Louise Nevelson, Hofmann, Kline, Motherwell, Newman, Jackson Pollock, Pousette- Dart, Reinhardt, y Still.
Otro grupo de artistas relacionados con el expresionismo abstracto son los denominados “tachistas” (de tache, mancha). Ellos creían en el poder surgido de las manchas. Se dieron cuenta que con manchas y pastas nuevas era posible representar la textura de la materia. Un ejemplo de este tipo de arte es la pintura gestual del artista francés Michaux.
estracto musicalizado de obras de Van Gogh
Vincent Willem van Gogh [vɪnˈsɛnt vɑn'xɔx?/i] (Zundert, Países Bajos, 30 de marzo de 1853 – Auvers-sur-Oise, Francia, 29 de julio de 1890) fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del posimpresionismo.[1] Pintó 900 cuadros (de ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y 1.600 dibujos. La figura central en su vida fue su hermano menor Theo, quien continua y desinteresadamente le prestó apoyo financiero. La gran amistad entre ellos está documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde agosto de 1872. Para Theo fueron 650 de sus 800 cartas conservadas.
La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte considerándose uno de los grandes maestros de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX, especialmente entre los expresionistas alemanes y los fauvistas como Derain, Vlaminck y Kees Van Dongen.[2] [3] Por medio de numerosas reproducciones muchas de sus obras son muy conocidas y se encuentran profundamente enraizadas en la consciencia artística general y mantienen su actualidad en todo el mundo.
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